Procedendo in senso opposto ecco, invece, la linea morbida, ambient music, acquerelli spesso contaminati da suoni e ritmi non occidentali, oppure sonorità semplicemente lievi, impalpabili, secondo i dettami del manifesto sonoro stilato nel 1978 da Brian Eno, ovvero il disco Ambient 1: Music for Airports. È l’area esplorata da Mo Boma, che deve molto soprattutto a un lavoro firmato da Jon Hassell con Brian Eno nel 1980, Fourth world vol. 1: Possible Musics, suoni soffusi, che sembrano attingere da una memoria musicale collettiva, ancestrale, la stessa dalla quale Ballard preleva le sue immagini abbacinanti. In fondo a questa strada si arriva all’elettronica del silenzio, un invito all’ascolto dell’inner space. Ancora una pattuglia di musicisti tedeschi in prima fila, da Thomas Köner a Bernhard Günter, o il giapponese Ryoji Ikeda. Crepitii e frequenze che affiorano dal nulla, suoni residuali come quelli di cui va a caccia lo spazzasuoni di Ballard. Köner, Bernardt e Ikeda sono esponenti di spicco di quell’area musicale definita isolazionista. Il termine proposto da Kevin Martin sul numero 115 di The Wire, fu utilizzato nel 1994 dalla Virgin per intitolare il quarto volume di una serie dedicata alla musica ambient. Titolo: Isolationism. Nelle note di copertina si chiariva il concetto con le parole stesse di Martin: “La musica asociale degli isolazionisti fornisce un contesto ambientale confortevole a tutte le persone che nel solipsismo ripongono la loro fede”. Difficile non vedere in questo profilo un bel po’ dei personaggi ballardiani.
Esiste però anche un percorso inverso, che dai quei raccontini di Vermilion Sands arrivano alle sculture sonore, in realtà preesistenti e che mettono in luce il legame tra Ballard e l’avantgarde. “Una sera mi recai alle scogliere di sabbia dove crescono le sonisculture. Salii per i lunghi pendii ascoltandole piagnucolare e gemere…” (Le statue canore in Ballard, 2003). Le sculture sonore nascono nel 1952 ad opera di due fratelli francesi, François e Bernard Baschet. Geniali artigiani del suono i Baschet inventano negli anni una serie di attrezzi suonanti fatti perlopiù di sbarre metalliche e tubi di vetro che strofinati o percossi emettono suoni inauditi. Ne realizzano non pochi nell’arco di vent’anni e se ne avvalgono nel tempo diversi compositori contemporanei, da Karlheinz Stockhausen a Toru Takemitsu. Altro pioniere è stato il pittore surrealista Jean Tinguely (l’amore di Ballard per l’arte surrealista non è mai stato un mistero), attivo anche nel campo della scultura che installava un motore in alcune delle sue opere, azionandone le parti. Queste muovendosi generavano suoni. Le idee più compiute e rivoluzionarie, però arrivano dagli Stati Uniti, dove Harry Partch per una quarantina d’anni si è dedicato all’invenzione di strumenti adatti a poter suonare le sue composizioni basate su un sistema di accordatura da lui stesso concepito in opposizione al classico sistema temperato a 12 parti per ottava. Il suo sistema, infatti, ne prevede 43 per ottava e naturalmente nessuno degli strumenti in circolazione può consentire di eseguire brani così concepiti. Senza perdersi d’animo Partch costruì strumenti su misura, oggetti singolarissimi, pezzi unici affidati a un ensemble, il Gate 5, “addestrato” dallo stesso Partch a suonare le sue invenzioni, che vanno dal chromeloedon, un organo modificato al cloud chamber bowl, set di ciotole di cristallo.